_eL besO, de roDin!_*

No sé cómo se me había podido pasar, pero hoy me puse a pensar, y 'El beso' de Rodin, no estaba entre mis actus...
Así que había que remediarlo!
El beso es una obra de Auguste Rodin, un escultor francés contemporáneo a la corriente Impresionista.
Este escultor fue nombrado 'el primer moderno'.

Aquello que hizo saltar a la fama a Auguste fue una acusación sobre su escultura La edad de bronce, de la cual se dijo que, en lugar de estar confeccionada a partir de una arcilla hecha por el artista, como se hace en el método de vaciado en bronce que empleaba Rodin, estaba sacada directamente del cuerpo del modelo, debido a su perfección.
Sin embargo, contando con la ayuda de personas influyentes como Edgar Degas, salió de la disputa victorioso, y no sólo apartó la deshonra que conllevaba esta acusación, sino que consiguió una fama que lo puso inmediatamente entre los artistas más importantes de París.

Después de esto, el artista dividió sus obras en dos categorías, la primera la denominó "alimentaria", la escultura decorativa de la que vivía, y la segunda es más popular y transgresora y es conocida como su obra pura y trascendente en la historia del arte occidental.

La técnica de este artista es el vaciado. El escultor elaboraba estas piezas en yeso, material que utilizaba para criticar la escultura en mármol, pretendiendo difundir la idea de que lo importante no es el material en sí, sino la idea que pretende transmitir.

La obra que analizamos hoy está representada también en otra obra de Rodin llamada Las puertas del Infierno, y el interés esencial se centra en los ángulos y puntos de vista de la escultura, que proporcionan nuevos detalles, como que por un lado parece que se estén besando y por la otra no.
El método que utilizaba Rodin para esto era llevar modelos desnudos a su taller, y hacerles girar y moverse para encontrar la postura que le inspirase.
Las características más importantes de esta escultura son la sensación de dinamismo, y de que la obra no es igual desde todos los ángulos, sino que es cambiante.

Antes de crear su versión en mármol, August produjo algunas menores en yeso, terracota y bronce.
Al principio fue llamada Francesca da Rimini, nombre de uno de los personajes del Infierno de Dante, pero más tarde los críticos de arte que vieron la escultura en 1887 sugirieron de título El beso.

_eL naCimienTo de venuS,,!_*

Apurando los últimos dias antes de exámenes, habrá que actualizar más a menudo y volver a ponerse al día, que te lo dejas y no lo vuelves a coger xD
En fin, hoy Botticelli, que no había puesto ningún cuadro del Renacimiento todavía.
Está fechada entre 1445 y 1510, y hoy en día se encuentra en la galería de los Uffizi, en Florencia.

Pertenece al Renacimiento, una corriente que se dio entre los siglos XV y XVI.
Fruto de la difusión de las ideas humanistas, retomaba los principios de la cultura clásica. Simboliza la reactivación del conocimiento y el progreso tras siglos de estancamiento causado por la mentalidad dogmática establecida en la Europa de la Edad Media.
Plantea una nueva forma de ver el mundo, e interesa al ser humano por las artes, las ciencias y la política.

El cuadro en sí no representa el nacimiento de Venus, sino su llegada a la playa en una concha, donde la reciben dioses alados con flores, como Céfiro, que es el dios del viento del Oeste,y Cloris o Flora, la ninfa de la brisa.
Estos dos, fuertemente abrazados simbolizan la unión de la materia y el espíritu.

En el centro se encuentra Venus, cubriendo con sus manos y melena sus partes íntimas, representando el erotismo y rasgos que estaba prohibido representar.
La postura curvilínea de Venus continúa perteneciendo al gótico, con un contrapposto en el que apoya el peso en la pierna izquierda, mientras el pie derecho está atrasado y ligeramente levantado, lo que nos recuerda a las esculturas helenísticas.

El rostro es propio de las vírgenes de Botticelli, jovial, de boca cerrada y ojos claros. Su expresión refleja melancolía, siendo impropia de la Antigüedad, y se asocia más bien a la expresión de una bondad de raigambre cristiana.

La piel del personaje principal es de color marfil, blanco con un ligero tono amarillento y matices, rosa, lo que no recuerda a piel, sin sugerir carne tibia y tierna, sino la superficie y la firmeza de una estatua.

Desde los tiempos de la Roma Clásica no se había vuelto a representar a esta diosa pagana desnuda y de tales dimensiones: el desnudo femenino, considerado pecaminoso en el arte medieval cristiano, se recuperó en el Renacimiento como símbolo de inmaterialidad.
Esta Venus no representa el amor carnal o el placer sensual sino que, con su postura y sus facciones finas, se acerca más al ideal de inteligencia pura o saber supremo. Venus sustituye a la Virgen, acercándose a los ideales de muchos artistas renacentistas.

El autor, Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, apodado Sandro Botticelli, nació en Florecia y estudió en esta misma escuela durante el Renacimiento, en la segunda mitad del Quattrocento.
En el taller de Fray Filippo Lippi en Prato, Botticelli recibió sus mayores influencias, como la delicadeza expresiva en los rostros y los gestos, los detalles decorativos o el estilo íntimo.
Más tarde, en el taller de Andrea del Verrocchio, trabajó al lado de da Vinci.

Sus obras más remarcadas son tanto la que os muestro hoy como La primavera, o Adoración de los Magos, que fue la obra que llamó la atención de los Médicis, quienes comenzaron a emplear su talento.

Además, participó en los frescos de la capilla Sixtina cuando el Papa Sixto IV llamó a varios artistas para participar.

_Restaurante de la Machine a Bougival!_*

Continuando con mis corrientes favoritas por fin me decido a actualizar, y hoy tocaba el fauvismo, un estallido estético y sentimental

Este movimiento tiene rasgos del expresionismo, y lo caracteriza sobretodo el contraste de colores vivos, que muchas veces no se corresponden con la realidad (cromatismo antinatural).
La espontaneidad es un rasgo característico de esta corriente.
Este es el motivo por el cual me gusta tanto, ya que soy bastante colorista.
Con esto busca la fuerza expresiva del color, y sobre los demás destaca el verde. Utiliza solamente la línea y el color, sin definir sombras ni detalles, sin utilizar la perspectiva tradicional ni el claroscuro o los volúmenes.

No trata temas novedosos sino que trata los géneros de siempre, como el retrato, paisaje, naturalezas muertas o interiores de vivienda.

Su precedente fue, como no, Gauguin. Para este movimiento, lo importante es la expresión, no la composición ni el orden, por esto otro referente fue Van Gogh, con su trazo libre, subjetivo, impulsivo y pasional.
Como era de esperar, el fauvismo fue tachado de excéntrico, habiendo nacido con una base de protesta opuesta hacia el positivismo, al naturalismo y al impresionismo, por la importancia que estos le dieron a la luz a costa de la pérdida del color, siendo contemporáneo a este último.

Matisse es el padre del movimiento, sin embargo será Louis Vauxcelles quien bautizará la corriente como fauvismo, del francés "fauves", que significa fiera, por su agresividad cromática, de forma despectiva. Sin embargo, como pasó con otras corrientes, acabará siendo aceptado por los pintores y el público sin connotación peyorativa.

Los pintores fauvistas pensaban que podían transmitir sus sentimientos a través de los colores, pretenden la máxima expresividad con la máxima simplicidad de los elementos, y de este modo emplean una pincelada directa, gruesa, evitando mezclar y matizar los colores.

El autor de nuestro cuadro, Maurice de Vlaminck, proviene de una familia de músicos bohemios afincados en París, y en realidad su intención era ser ciclista, vocación que combinaba con dar clases de violín o escribir novelas eróticas.
Sin embargo una enfermedad lo alejará del ciclismo y lo acercará a la pintura.

El cuadro que os enseño hoy es de 1905, a óleo sobre lienzo, y se trata del pueblo de Bougival. Actualmente se encuentra en el museo Orsay de París.
El color y la pincelada recuerdan de algún modo a Van Gogh, más bien redondeada y de colores cálidos.

Inciso: esta es La Habitación roja, de Matisse. Pintado en 1907, es uno de los cuadros que conozco desde mi infancia y pertenece también al fauvismo, y es otro de mis preferidos. Como voy por movimientos, no iba a repetir el fauvismo, así que os lo dejo aquí, para los que tenéis curiosidad =)

_daLí,!_*

Mi tercera actualización tenía que ser sobre el surrealismo.

Siendo una de mis corrientes preferidas, su duración fue muy extensa, desde 1924 hasta 1945.

El surrealismo es una corriente que se debe al movimiento Dadá, que pretendía la exaltación de lo absurdo y la rebelión contra todos los parámetros idealizados como la belleza. No es una rebelión contra la corriente anterior, sino contra todas las corrientes en general.

El surrealismo, por su parte, es una expresión de lo personal, es la representación de los sueños, el subconsciente y la fantasía.

Se divide en dos modalidades, una figurativa que utiliza una técnica casi fotográfica, donde incluimos a Dalí, y otra antiobjetiva, más abstracta, a la cual pertenece Miró.

Se trata de un alejamiento de la realidad, con una alta carga de subjetividad.

Las teorías de Freud estuvieron presentes en toda la corriente, de modo que la sexualidad estaba presente muy a menudo, a pesar de las normas sociales que lo veían con malos ojos.

El Bosco, o Goya son precedentes artísticos de esta corriente, cuyas características generales son la animación de lo inanimado, la metamorfosis, los elementos ilógicos, las perspectivas vacías, la evocación del caos, el sexo, etc.

El cuadro que enseño hoy, ‘Sueño causado por el vuelo de una abeja en torno a una granada un segundo antes de despertar’, pintado en 1994, es uno de los cuadros más famosos de Dalí.

¿El surrealismo no pretendía la representación de lo absurdo?

Avisadme si encontráis algo más absurdo que este cuadro.

Sin embargo, estéticamente me gusta mucho.

En cuanto a Dalí, era un artista, sí. Pero no es santo de mi devoción. En realidad me parece bastante prepotente, llegó a asegurar que los demás no podían expulsarlo de la corriente porque él ‘era’ el surrealismo.

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí Doménech nació en 1904 en Gerona, y desde pequeño comienza a interesarse por las corrientes de la época como el impresionismo o el puntillismo.

Años después ingresó en la Escuela de San Fernando, de donde fue expulsado años después, readmitido de nuevo, y vuelto a expulsar por declarar incompetente al tribunal.

Entre estos hechos tiene lugar la muerte de su madre, lo que le provocará dos reacciones totalmente contrapuestas, una en la que cayó en depresión y otra de rechazo, pues la corriente surrealista lo obligaba a rechazar a la familia.

En esta escuela se hará amigo de Federico García Lorca, quien le compondrá ‘Oda a Dalí’ años más tarde, tras la salida de la cárcel de éste.

Conoció a Pablo Picasso gracias a sus exposiciones en las galerías Dalmau.

El verano de 1929 se enamoró de Gala, su futura mujer, quien fue fundamental para el resto de sus obras, ella sale en más de 50.

En 1934 Gala y él viajarán juntos a EEUU, y dos años más tarde, con la guerra civil en España, asesinarán a Federico García Lorca, lo que le causará una gran depresión.

Dalí era bastante excéntrico a la hora de vestir y actuar, y eso le pasaba factura frente a la gente que no entendía sus formas.

Una de sus excentricidades tuvo lugar en 1955, cuando se presentó en La Sorbona para dar una conferencia, en un Rolls Royce, repleto de coliflores.

Durante su vida se fundó el museo Dalí en Figueras, donde sería enterrado a su muerte, el 24 de Enero de 1989.

El cuadro a analizar es la evocación de un sueño encarnado por Gala, que aparece desnuda, en el momento en el que el zumbido de una abeja alrededor de una granada le evoca la imagen de una bayoneta a punto de herirla.

Que se trata de un sueño lo indica el elefante, que es un referente, y también el sueño anterior de Gala.

El cuadro es de mi agrado porque, además de ser totalmente absurdo, me llaman la atención los elementos tales como el elefante de largas patas y la bella mujer desnuda suspendida en el aire, como flotando.

El lugar en el que se encuentra también es algo a remarcar, ya que parece un mar, pero con aspecto realmente sólido.

_eL griTo, de muncH,!*_

Siguiendo con mis preferencias y satisfaciendo vuestras peticiones, hoy, El grito, de Munch.
Esta obra es precursora del expresionismo, a óleo sobre lienzo y mide 90 x 68'5.

Su autor, considerado el mejor pintor noruego de todos los tiempos, fue un hombre atormentado por la vida.
Nació en 1863 en Ekeley, y su familia se vió azotada por la muerte de tres de sus miembros, además de la incursión de una hermana en un centro psiquiátrico. Además, su padre era un obsesionado por la religión que los educó muy duramente, con un marcado concepto sobre el infierno.

Con este panorama, es difícil no imaginarse a un hombre atormentado y resignado con la vida, tanto, que se obsesionó con la muerte, la cual identificaba con la mujer.
Su temática era el drama humano y la angustia social.
Munch decía que, al igual que Da Vinci había estudiado anatomía y diseccionaba cuerpos, él trataba de diseccionar almas.
"Pintaremos a los hombres que viven sufriendo y amando"

Edvard viajará a París y Berlín a familiarizarse con las corrientes, y tomará de referente, al igual que Van Gogh, a Gauguin.
Durante toda su vida, sus cuadros serán retirados de exposiciones y tachados de perturbadores, cosa que les dará popularidad por su aparición en críticas y artículos.

Al final de su vida, Munch padecerá problemas mentales y nerviosos agravados por el alcohol, e internará en un psiquiátrico de Copenhague, muriendo solo en su finca de Ekeley, pintando.

Hoy conocemos que 'El grito' en realidad se pintó en 1910, no en 1893.
El robo de la obra en Agosto del 2004 conllevó su restauración, de este modo, restauradores del Museo Nacional desvelaron la fecha real del cuadro el 23 de Mayo de este año.*

La obra transmite un grito de la naturaleza ante el colapso y posee gran fuerza emocional, inspirado en una situación real, en la colina Ekeberg de Oslo:

"Paseaba por un sendero con dos amigos - el sol se puso - de repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio - sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad - mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza."


El artista acentúa la fuerza expresiva de la línea, y en sus obras, el color será muy significativo, no menos en ésta, en la que forman un impacto visual tremendo, creando una imagen violenta.
La línea también posee vital importancia, acentuando una perspectiva que pone en primer plano a la persona que grita y resta importancia a las otras dos.

El personaje principal se ve difuminada en las líneas del horizonte, como un desvanecimiento, como dudando de la propia existencia, mientras las otras dos aparecen muy firmes y opacas.

Andy Warhol hizo estampaciones de seda sobre esta y otras obras de Munch, y se ha escrito también poesía, aquí os dejo un estracto de un poema:

El grito de Munch y...los poetas…nuestra poesía;
me han hecho pensar en todas esas cosas de la vida,
no soy político, ni psicópata, represento la melancolía
deseo preguntar: ¿Dónde está la verdad…ésa sinfonía?
¿Dónde están los colores, los azules, violetas?…¿solo crisis?
...un escenario…sin coreografía.

(...)

Munch pintó el grito en 1893;*
¡qué grito más largo. Tiene 110 años y se oye igual!
Angustia extensa, pobreza eterna, agonía….
la verdad tal cual.

Ernest Würth

_La noche estrellada, Van Gogh,!*_

Un miércoles por la tarde, por fin, me decido a hacer mi primera actualización.
Y para mí, no podía ser otro cuadro.
La noche estrellada, de van gogh...

Bueno, primero, decir que se trata de un óleo sobre lienzo, que alcanza casi el metro de altura, así como de anchura.

Y el estilo, dentro de la gran personalidad de Van Gogh, es el impresionista.

En realidad, este cuadro me atrae, no sólo por el trazo, que se centra en espirales en el cielo,sino también por su significado y la etapa en la que Vincent lo pintó.
El cuadro representa la pequeñez del hombre ante el mundo, y esto quedará explicado en la última parte de la pequeñísima biografía que voy a contaros aquí.
La agitación es obvia en todo el cuadro, y aquello que más intriga me provoca es la sensación de presencia conjunta de sol y luna, así como el resplandor de las estrellas, tan apuntado.

Bien, no es un secreto que Van gogh no tuvo una vida muy satisfactoria ni mucho menos, de hecho, se le recuerda por alguien temperamental, agresivo, solitario y algo loco.
Sin embargo, yo no lo definiría como loco.

Como pequeña autobiografía, aquello más trascendental para mí fueron varias cosas.
Primero, su vida en Montmartre, donde conoció a pintores del calibre de Tolouse-Lautrec, o el propio Paul Gauguin, quien, más adelante, se fue a vivir con Vincent a "la casa amarilla", en Arles.
Como curiosidad, decir que el cuadro "La habitación", es un regalo de bienvenida a Gauguin por su traslado.

Sin embargo, aquella supuesta "locura" de Vincent llevó a su fin la convivencia, pues tuvieron diversas peleas, y Van gogh amenazó a Paul con una navaja...
Después de esto, Vincent volvió a "la casa amarilla", y esa noche se mutiló... se cortó la oreja de un corte limpio, que utilizó después en un burdel para regalársela a una prostituta como presente.
Evidentemente la pobre mujer llamó a la policía, le curaron la oreja en el hospital, y al llegar a casa, descubrió que sus cuadros estaban rotos, debido a la envidia del vecindario...
Esto provocó otra gran depresión al pintor, además de la que ya tenía gracias al nulo éxito de sus cuadros.

En Mayo de 1889, Vincent queda recluido en un manicomio en Saint-Rémy, pero en realidad es posible que sufriera un trastorno bipolar, lo cual explicaría sus cambios de humor, o ataques de epilepsia, no que estuviera loco.
Le habilitaron una habitación para pintar, y es justamente este paisaje, el que se veía a través de su ventana. Excepto el ciprés, el cual es una aportación del pintor.

En algunos documentos, el cuadro está descrito como el inminente fin del mundo, como si los astros estuvieran a punto de chocar y fuera a producirse una masacre.
Nada más lejos, a mí me parece de una serena calma, pretendiendo expresar esa tranquilidad de quien espera la muerte.

El 27 de Julio de 1890, Van Gogh se disparó un tiro en el estómago inmediatamente después de acabar su cuadro "Cuervos en el trigal".
Murió desangrado dos días después en brazos de su hermano pequeño Theo, con quien se escribía.

"Yo arriesgué mi vida por mi trabajo, y mi razón siempre fue menoscabada", fueron sus últimas palabras.

_Esta vez sí, presentación oficiaL,!_*

Y un lunes cualquiera, por fin, se me ocurrió sobre qué queria escribir...

Bueno, la elección del tema de este blog me ha llevado unos cuantos días, ya que ante todo quería sentirme agusto con lo que estaba escribiendo...

Y he decidido, que hablaré sobre pintura. Con alguna excepción de alguna escultura que me guste, pero generalmente pintura.
Y esque el arte es algo que siempre me ha atraído, y me parece que mostrar cuadros, comentar su significado, además de un par de detalles sobre su autor nunca viene mal hoy en día, cuando nadie se para a pensar en estas cosas ni busca información al respecto.

Por supuesto, acepto propuestas de cuadros que os gusten, y alguna aportación de datos que me haya dejado o no sepa.

A aquellos a los que os guste el tema, adelante, espero que os parezcan cuanto menos interesantes las obras que quiero mostrar, que me transmiten algo en mi campo personal, y a los que no, bueno, quizá logre que alguno se interese por este tema =)


En cualquier caso, bienvenidos a todos, ¡este es mi blog!