miércoles, 29 de octubre de 2008

_daLí,!_*

Mi tercera actualización tenía que ser sobre el surrealismo.

Siendo una de mis corrientes preferidas, su duración fue muy extensa, desde 1924 hasta 1945.

El surrealismo es una corriente que se debe al movimiento Dadá, que pretendía la exaltación de lo absurdo y la rebelión contra todos los parámetros idealizados como la belleza. No es una rebelión contra la corriente anterior, sino contra todas las corrientes en general.

El surrealismo, por su parte, es una expresión de lo personal, es la representación de los sueños, el subconsciente y la fantasía.

Se divide en dos modalidades, una figurativa que utiliza una técnica casi fotográfica, donde incluimos a Dalí, y otra antiobjetiva, más abstracta, a la cual pertenece Miró.

Se trata de un alejamiento de la realidad, con una alta carga de subjetividad.

Las teorías de Freud estuvieron presentes en toda la corriente, de modo que la sexualidad estaba presente muy a menudo, a pesar de las normas sociales que lo veían con malos ojos.

El Bosco, o Goya son precedentes artísticos de esta corriente, cuyas características generales son la animación de lo inanimado, la metamorfosis, los elementos ilógicos, las perspectivas vacías, la evocación del caos, el sexo, etc.

El cuadro que enseño hoy, ‘Sueño causado por el vuelo de una abeja en torno a una granada un segundo antes de despertar’, pintado en 1994, es uno de los cuadros más famosos de Dalí.

¿El surrealismo no pretendía la representación de lo absurdo?

Avisadme si encontráis algo más absurdo que este cuadro.

Sin embargo, estéticamente me gusta mucho.


En cuanto a Dalí, era un artista, sí. Pero no es santo de mi devoción. En realidad me parece bastante prepotente, llegó a asegurar que los demás no podían expulsarlo de la corriente porque él ‘era’ el surrealismo.

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí Doménech nació en 1904 en Gerona, y desde pequeño comienza a interesarse por las corrientes de la época como el impresionismo o el puntillismo.

Años después ingresó en la Escuela de San Fernando, de donde fue expulsado años después, readmitido de nuevo, y vuelto a expulsar por declarar incompetente al tribunal.

Entre estos hechos tiene lugar la muerte de su madre, lo que le provocará dos reacciones totalmente contrapuestas, una en la que cayó en depresión y otra de rechazo, pues la corriente surrealista lo obligaba a rechazar a la familia.

En esta escuela se hará amigo de Federico García Lorca, quien le compondrá ‘Oda a Dalí’ años más tarde, tras la salida de la cárcel de éste.

Conoció a Pablo Picasso gracias a sus exposiciones en las galerías Dalmau.

El verano de 1929 se enamoró de Gala, su futura mujer, quien fue fundamental para el resto de sus obras, ella sale en más de 50.

En 1934 Gala y él viajarán juntos a EEUU, y dos años más tarde, con la guerra civil en España, asesinarán a Federico García Lorca, lo que le causará una gran depresión.

Dalí era bastante excéntrico a la hora de vestir y actuar, y eso le pasaba factura frente a la gente que no entendía sus formas.

Una de sus excentricidades tuvo lugar en 1955, cuando se presentó en La Sorbona para dar una conferencia, en un Rolls Royce, repleto de coliflores.

Durante su vida se fundó el museo Dalí en Figueras, donde sería enterrado a su muerte, el 24 de Enero de 1989.

El cuadro a analizar es la evocación de un sueño encarnado por Gala, que aparece desnuda, en el momento en el que el zumbido de una abeja alrededor de una granada le evoca la imagen de una bayoneta a punto de herirla.

Que se trata de un sueño lo indica el elefante, que es un referente, y también el sueño anterior de Gala.

El cuadro es de mi agrado porque, además de ser totalmente absurdo, me llaman la atención los elementos tales como el elefante de largas patas y la bella mujer desnuda suspendida en el aire, como flotando.

El lugar en el que se encuentra también es algo a remarcar, ya que parece un mar, pero con aspecto realmente sólido.


martes, 7 de octubre de 2008

_eL griTo, de muncH,!*_

Siguiendo con mis preferencias y satisfaciendo vuestras peticiones, hoy, El grito, de Munch.
Esta obra es precursora del expresionismo, a óleo sobre lienzo y mide 90 x 68'5.

Su autor, considerado el mejor pintor noruego de todos los tiempos, fue un hombre atormentado por la vida.
Nació en 1863 en Ekeley, y su familia se vió azotada por la muerte de tres de sus miembros, además de la incursión de una hermana en un centro psiquiátrico. Además, su padre era un obsesionado por la religión que los educó muy duramente, con un marcado concepto sobre el infierno.

Con este panorama, es difícil no imaginarse a un hombre atormentado y resignado con la vida, tanto, que se obsesionó con la muerte, la cual identificaba con la mujer.
Su temática era el drama humano y la angustia social.
Munch decía que, al igual que Da Vinci había estudiado anatomía y diseccionaba cuerpos, él trataba de diseccionar almas.
"Pintaremos a los hombres que viven sufriendo y amando"

Edvard viajará a París y Berlín a familiarizarse con las corrientes, y tomará de referente, al igual que Van Gogh, a Gauguin.
Durante toda su vida, sus cuadros serán retirados de exposiciones y tachados de perturbadores, cosa que les dará popularidad por su aparición en críticas y artículos.

Al final de su vida, Munch padecerá problemas mentales y nerviosos agravados por el alcohol, e internará en un psiquiátrico de Copenhague, muriendo solo en su finca de Ekeley, pintando.

Hoy conocemos que 'El grito' en realidad se pintó en 1910, no en 1893.
El robo de la obra en Agosto del 2004 conllevó su restauración, de este modo, restauradores del Museo Nacional desvelaron la fecha real del cuadro el 23 de Mayo de este año.*

La obra transmite un grito de la naturaleza ante el colapso y posee gran fuerza emocional, inspirado en una situación real, en la colina Ekeberg de Oslo:

"Paseaba por un sendero con dos amigos - el sol se puso - de repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio - sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad - mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza."



El artista acentúa la fuerza expresiva de la línea, y en sus obras, el color será muy significativo, no menos en ésta, en la que forman un impacto visual tremendo, creando una imagen violenta.
La línea también posee vital importancia, acentuando una perspectiva que pone en primer plano a la persona que grita y resta importancia a las otras dos.


El personaje principal se ve difuminada en las líneas del horizonte, como un desvanecimiento, como dudando de la propia existencia, mientras las otras dos aparecen muy firmes y opacas.

Andy Warhol hizo estampaciones de seda sobre esta y otras obras de Munch, y
se ha escrito también poesía, aquí os dejo un estracto de un poema:

El grito de Munch y...los poetas…nuestra poesía;
me han hecho pensar en todas esas cosas de la vida,
no soy político, ni psicópata, represento la melancolía
deseo preguntar: ¿Dónde está la verdad…ésa sinfonía?
¿Dónde están los colores, los azules, violetas?…¿solo crisis?
...un escenario…sin coreografía.

(...)

Munch pintó el grito en 1893;*
¡qué grito más largo. Tiene 110 años y se oye igual!
Angustia extensa, pobreza eterna, agonía….
la verdad tal cual.

Ernest Würth


miércoles, 1 de octubre de 2008

_La noche estrellada, Van Gogh,!*_


Un miércoles por la tarde, por fin, me decido a hacer mi primera actualización.
Y para mí, no podía ser otro cuadro.
La noche estrellada, de van gogh...

Bueno, primero, decir que se trata de un óleo sobre lienzo, que alcanza casi el metro de altura, así como de anchura.

Y el estilo, dentro de la gran personalidad de Van Gogh, es el impresionista.

En realidad, este cuadro me atrae, no sólo por el trazo, que se centra en espirales en el cielo,sino también por su significado y la etapa en la que Vincent lo pintó.
El cuadro representa la pequeñez del hombre ante el mundo, y esto quedará explicado en la última parte de la pequeñísima biografía que voy a contaros aquí.
La agitación es obvia en todo el cuadro, y aquello que más intriga me provoca es la sensación de presencia conjunta de sol y luna, así como el resplandor de las estrellas, tan apuntado.

Bien, no es un secreto que Van gogh no tuvo una vida muy satisfactoria ni mucho menos, de hecho, se le recuerda por alguien temperamental, agresivo, solitario y algo loco.
Sin embargo, yo no lo definiría como loco.

Como pequeña autobiografía, aquello más trascendental para mí fueron varias cosas.
Primero, su vida en Montmartre, donde conoció a pintores del calibre de Tolouse-Lautrec, o el propio Paul Gauguin, quien, más adelante, se fue a vivir con Vincent a "la casa amarilla", en Arles.
Como curiosidad, decir que el cuadro "La habitación", es un regalo de bienvenida a Gauguin por su traslado.

Sin embargo, aquella supuesta "locura" de Vincent llevó a su fin la convivencia, pues tuvieron diversas peleas, y Van gogh amenazó a Paul con una navaja...
Después de esto, Vincent volvió a "la casa amarilla", y esa noche se mutiló... se cortó la oreja de un corte limpio, que utilizó después en un burdel para regalársela a una prostituta como presente.
Evidentemente la pobre mujer llamó a la policía, le curaron la oreja en el hospital, y al llegar a casa, descubrió que sus cuadros estaban rotos, debido a la envidia del vecindario...
Esto provocó otra gran depresión al pintor, además de la que ya tenía gracias al nulo éxito de sus cuadros.

En Mayo de 1889, Vincent queda recluido en un manicomio en Saint-Rémy, pero en realidad es posible que sufriera un trastorno bipolar, lo cual explicaría sus cambios de humor, o ataques de epilepsia, no que estuviera loco.
Le habilitaron una habitación para pintar, y es justamente este paisaje, el que se veía a través de su ventana. Excepto el ciprés, el cual es una aportación del pintor.

En algunos documentos, el cuadro está descrito como el inminente fin del mundo, como si los astros estuvieran a punto de chocar y fuera a producirse una masacre.
Nada más lejos, a mí me parece de una serena calma, pretendiendo expresar esa tranquilidad de quien espera la muerte.

El 27 de Julio de 1890, Van Gogh se disparó un tiro en el estómago inmediatamente después de acabar su cuadro "Cuervos en el trigal".
Murió desangrado dos días después en brazos de su hermano pequeño Theo, con quien se escribía.

"Yo arriesgué mi vida por mi trabajo, y mi razón siempre fue menoscabada", fueron sus últimas palabras.