_dEspedidA,!_*

Esta es la última entrada de mi blog, y para finalizar, cierro el círculo tal y como lo empecé, con Vincent van Gogh.

Este es un video que encontré por internet cuando hice la actualización primera, os lo dejo para que lo veáis, y me comentéis que os parece.
Guarda relación con mi primer comentario, contando brevemente un poquito más sobre la vida del artista
Espero que os guste.
Hasta siempre ^^

_oLympia,!_*

Olympia es un retrato impresionista de Édouard Manet, fechado en
1863 y localizado en el museo Orsay de París.
Fue expuesta en 1865 en París, donde causó gran escándalo porque el público y los críticos aceptaban el desnudo mitológico, pero no el realista.

Está inspirada en las Venus de Urbino del Tiziano, pero en este cuadro la protagonista resulta ser una prostituta de París.
Aparece una mujer negra llevando el ramo en lugar de las doncellas habituales que acompañaban a los desnudos en el Cinquecento, con una vestimenta clara que contrasta con su tono de piel, confundido con el fondo.
En cuanto a la protagonista, que mira provocadoramente, encontramos colores que la resaltan, como el fondo de nuevo, y crean un espacio íntimo.

El animal también resulta diferente en la Venus de Urbino y en Olympia, apareciendo en el primero un perro y en esta un gato negro inquieto, simbolizando la inquietud y estando presente en situaciones veladamente eróticas, por lo que el pintor fue muy recordado por este impacto, tanto que se le llegó a llamar ' el pintor de los gatos'.

Otros elementos simbólicos notorios que aparecen en el cuadro son el brazalete que lleva la mujer desnuda, que pertenecía a la madre de Manet, el ramo de flores, tratándose de un típico regalo que los clientes ofrecían a las meretrices de clase alta.
La orquídea en el pelo también es un referente al sexo, porque se creía que poseía poderes afrodisíacos (hasta el nombre de la orquídea tiene etimología sexual).
El último elemento del cuadro es que Olympia calza un solo zapato, que en las pinturas alegóricas se usa como símbolo de la inocencia perdida.
A destacar que todos estos elementos cumplen en el contexto del cuadro una función sexual de fetiche.

_gaTos riñendO,_!*

Gatos riñendo es un cartón tapiz de Francisco de Goya, creado en la quinta serie de cartones para tapices del aragonés, que iban destinadas a adornar el comedor de los Príncipes de Asturias en el Palacio del Pardo.
Estuvo el sótano de este Palacio hasta 1986, y en 1870 pasó a ser propiedad del Museo del Prado.

Su autor es un artista español nacido en Fuentedetodos, en Zaragoza, que ha reflejado de una forma espectacular la época en la que vivió, y hoy en día es la máxima figura del arte en su tiempo.

Goya ha supuesto un antes y un después, y encontramos su colaboración en una amplia gama de corrientes, tales como el Barroco, el Rococó, el Neoclasicismo y el Romanticismo, y se ha convertido en un referente y una influencia para todos los artistas de los siglos XIX y XX.

Fué aprendiz de los maestros José Luzán y sobre todo de Francisco Bayeu, y elegido primer pintor de cámara y director de pintura de la Academia de San Fernando en 1780, y más tarde en 1786 fue nombrado pintor del Rey, y pintor de corte en 1789.

Este pintor domina una técnica sólida, con una sutil sátira en sus temas, y logró ser clasificado como el primer modernista gracias a su creencia de representar la vida cotidiana y no la tradición.

El cuadro que analizamos hoy surge de una corriente Prerromántica, de 56x 193 cm.

La pintura representa dos gatos peleando subidos a un muro de ladrillo, y el pintor matiza con gran realismo la escena, haciendo un análisis de la naturaleza de los animales.
Como hemos apuntado anteriormente pertenecía a una serie de cartones para tapices, sin embargo ha albergado controversia ya que no guarda relación con el resto de pinturas.
Que esté protagonizada solamente por animales es algo impactante ya que esto no suele darse.

Aquello que me atrae de la obra es su cromática, el impacto que provoca y la fuerza que transmite, esta obra supura expresión por cada uno de sus poros.
Posee un contraluz muy interesante que intensifica la fuerza del gato pardo frente al negro, haciéndolo más grande, más poderoso, frente al gato negro cuyo miedo se lee en sus ojos.

El columpio es una de las obras más destacadas de Jean-Honoré Fragonard,
un pintor francés hijo de sastre.
Estuvo presente en el movimiento rococó, y su temprana dote le abrió las puertas a algunos talleres donde aprendería una técnica tan limpia y una cromática tan bella como la que utiliza.

El cuadro que hoy os enseño es fruto de los deseos de Luis XV, quien compró el cuadro Coreso y Calliroe, por la cual su autor recibió el ingreso en la academia, y obtuvo elogios de Diderot.

A partir de aquí, Fragonard se dedicará a satisfacer los gustos del rey pintando cuadros de temática amorosa y voluptuosa con el que será identificado su nombre más tarde.

Esta pintura había sido rechazada anteriormente por otro pintor debido a su "indecencia" cuando el marqués de Saint-Julien le pidió que pintara "a una muchacha sobre un columpio empujado por un obispo. Usted me colocará a mí de manera que pueda ver las piernas de esta hermosa niña o algo más si quiere animar su cuadro".

La delicadeza de la pintura es lo que hace este cuadro tan especial y sensual a la vez, la forma en la que se trata el tema a plasmar.
La luz se viene dada desde arriba y solamente la ilumina a ella, dándole una evidente importancia a ella y a su espectacular vestido rosa sobre el obispo que empuja el columpio y el noble que mira, que están en la penumbra.
Esta luz matizada refleja una sensación de profundidad, la gran habilidad del pintor.

La obra se centra en la picardía y la temática erótica desde un punto de vista muy refinado y sutil, dejando entrever la relación entre el noble y la muchacha.
Sin embargo ella se comporta sin ningún pudor, como si nada le preocupara.

La alegoría del cuadro reside en un paralelismo que hace el autor entre el vaivén del columpio y la volubilidad del amor femenino.

Esta corriente refleja la vida de la alta sociedad, sus fiestas y meriendas despreocupadas en el campo, y este cuadro no iba a ser menos, aun saliéndose de la temática habitual y mostando una picardía innata.

Esta obra es un óleo sobre liezo de 81 x 65 y actualmente se encuentra en Londres, junto a la colección Wallace.

_navidAd,!_*

Bueno, ya sé que la web va sobre cuadros y todo este lio artístico, pero al ver que las actus van decayendo y los coments son escasos o nulos en su defecto(xD), daremos un respiro por navidad con una bonita imagen, aunque algo tarde, con disculpas porque antes no he podido hacerme cargo de esto, y os pregunto a todos vosotros, señores del mundo de los blogsss!

Qué es lo que realmente os gusta de la Navidad?
aquí, sin tapujos, que no se va a juzgar a nadiee!

los turrones, los regalos, la familia, poder dormir hasta tarde xD la ausencia de clases...
Cualquier cosa que se os ocurra!
Y si queréis dejar sugerencias acerca de nuevas actualizaciones sois bienvenidos, ya que a finales de curso la imaginación escasea y no se me ocurren nuevos reclamos.

Para acabaar, espero q hayáis tenido todos una feliz navidad, y nos vemos en breve!

_eL besO, de roDin!_*

No sé cómo se me había podido pasar, pero hoy me puse a pensar, y 'El beso' de Rodin, no estaba entre mis actus...
Así que había que remediarlo!
El beso es una obra de Auguste Rodin, un escultor francés contemporáneo a la corriente Impresionista.
Este escultor fue nombrado 'el primer moderno'.

Aquello que hizo saltar a la fama a Auguste fue una acusación sobre su escultura La edad de bronce, de la cual se dijo que, en lugar de estar confeccionada a partir de una arcilla hecha por el artista, como se hace en el método de vaciado en bronce que empleaba Rodin, estaba sacada directamente del cuerpo del modelo, debido a su perfección.
Sin embargo, contando con la ayuda de personas influyentes como Edgar Degas, salió de la disputa victorioso, y no sólo apartó la deshonra que conllevaba esta acusación, sino que consiguió una fama que lo puso inmediatamente entre los artistas más importantes de París.

Después de esto, el artista dividió sus obras en dos categorías, la primera la denominó "alimentaria", la escultura decorativa de la que vivía, y la segunda es más popular y transgresora y es conocida como su obra pura y trascendente en la historia del arte occidental.

La técnica de este artista es el vaciado. El escultor elaboraba estas piezas en yeso, material que utilizaba para criticar la escultura en mármol, pretendiendo difundir la idea de que lo importante no es el material en sí, sino la idea que pretende transmitir.

La obra que analizamos hoy está representada también en otra obra de Rodin llamada Las puertas del Infierno, y el interés esencial se centra en los ángulos y puntos de vista de la escultura, que proporcionan nuevos detalles, como que por un lado parece que se estén besando y por la otra no.
El método que utilizaba Rodin para esto era llevar modelos desnudos a su taller, y hacerles girar y moverse para encontrar la postura que le inspirase.
Las características más importantes de esta escultura son la sensación de dinamismo, y de que la obra no es igual desde todos los ángulos, sino que es cambiante.

Antes de crear su versión en mármol, August produjo algunas menores en yeso, terracota y bronce.
Al principio fue llamada Francesca da Rimini, nombre de uno de los personajes del Infierno de Dante, pero más tarde los críticos de arte que vieron la escultura en 1887 sugirieron de título El beso.

_eL naCimienTo de venuS,,!_*

Apurando los últimos dias antes de exámenes, habrá que actualizar más a menudo y volver a ponerse al día, que te lo dejas y no lo vuelves a coger xD
En fin, hoy Botticelli, que no había puesto ningún cuadro del Renacimiento todavía.
Está fechada entre 1445 y 1510, y hoy en día se encuentra en la galería de los Uffizi, en Florencia.

Pertenece al Renacimiento, una corriente que se dio entre los siglos XV y XVI.
Fruto de la difusión de las ideas humanistas, retomaba los principios de la cultura clásica. Simboliza la reactivación del conocimiento y el progreso tras siglos de estancamiento causado por la mentalidad dogmática establecida en la Europa de la Edad Media.
Plantea una nueva forma de ver el mundo, e interesa al ser humano por las artes, las ciencias y la política.

El cuadro en sí no representa el nacimiento de Venus, sino su llegada a la playa en una concha, donde la reciben dioses alados con flores, como Céfiro, que es el dios del viento del Oeste,y Cloris o Flora, la ninfa de la brisa.
Estos dos, fuertemente abrazados simbolizan la unión de la materia y el espíritu.

En el centro se encuentra Venus, cubriendo con sus manos y melena sus partes íntimas, representando el erotismo y rasgos que estaba prohibido representar.
La postura curvilínea de Venus continúa perteneciendo al gótico, con un contrapposto en el que apoya el peso en la pierna izquierda, mientras el pie derecho está atrasado y ligeramente levantado, lo que nos recuerda a las esculturas helenísticas.

El rostro es propio de las vírgenes de Botticelli, jovial, de boca cerrada y ojos claros. Su expresión refleja melancolía, siendo impropia de la Antigüedad, y se asocia más bien a la expresión de una bondad de raigambre cristiana.

La piel del personaje principal es de color marfil, blanco con un ligero tono amarillento y matices, rosa, lo que no recuerda a piel, sin sugerir carne tibia y tierna, sino la superficie y la firmeza de una estatua.

Desde los tiempos de la Roma Clásica no se había vuelto a representar a esta diosa pagana desnuda y de tales dimensiones: el desnudo femenino, considerado pecaminoso en el arte medieval cristiano, se recuperó en el Renacimiento como símbolo de inmaterialidad.
Esta Venus no representa el amor carnal o el placer sensual sino que, con su postura y sus facciones finas, se acerca más al ideal de inteligencia pura o saber supremo. Venus sustituye a la Virgen, acercándose a los ideales de muchos artistas renacentistas.

El autor, Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, apodado Sandro Botticelli, nació en Florecia y estudió en esta misma escuela durante el Renacimiento, en la segunda mitad del Quattrocento.
En el taller de Fray Filippo Lippi en Prato, Botticelli recibió sus mayores influencias, como la delicadeza expresiva en los rostros y los gestos, los detalles decorativos o el estilo íntimo.
Más tarde, en el taller de Andrea del Verrocchio, trabajó al lado de da Vinci.

Sus obras más remarcadas son tanto la que os muestro hoy como La primavera, o Adoración de los Magos, que fue la obra que llamó la atención de los Médicis, quienes comenzaron a emplear su talento.

Además, participó en los frescos de la capilla Sixtina cuando el Papa Sixto IV llamó a varios artistas para participar.